< 중첩되는 시간 속 선명해지는 모호함 >

평론 고연수

스며든 듯 비치는 움직임

정돈된 무채색이 배경인 사각형 캔버스 안에 식별 불가한 형태들이 흐릿하게 자리하고 있다. 작품 속 원형 개체들의 불분명한 경계는 우리의 시각을 표류하게 만드는데, 안정감을 갖고자 초점을 찾아 고정하려 한다거나, 안착하지 못한 시지각이 작품 속에서 헤매다 또 다른 심상을 만들어내는 등 그 어느 쪽이든 시선을 편안하게 해주지는 않는다. 작가 임동훈의 작품을 처음 대면했을 때 시지각의 반응과 상념이다. 고요히 바라보고 있으면 디지털 매체에서 간혹 경험하는 번인Burn in현상처럼 꿈틀대며 움직이는 듯한 착시까지 일으키는데, 생득하거나 후천적 경험치를 모두 동원해 망막에 비치는 이미지를 조직화하여 재편하려는-시각과 뇌의 정보교환을 통한 풍부한 바깥 세계의 심상을 창조하는-게슈탈트 규칙이 작동된다고 보아야 할 것이다. 실제 뇌과학자 에릭 캔델의 연구에 의하면, 특히 추상화를 볼 때 우리는 본능적으로 물리적 세계에 평생을 걸쳐 경험한 것들과 연관을 짓기 때문에 작가에게는 창작과정이 해석과정이기도 감상자에게는 해석과정이 창작과정이 될 수 있다고 정의하고 있다.

이번 전시에서의 작가 임동훈의 작품들을 보면, 매끈하고 깔끔하게 코팅되어 반짝거리는 화폭 속 형상 들은 거리를 두고 보면 하나의 양감으로 보이지만 세밀히 들여다보면 작은 분열된 원형들로 뭉쳐있고 시간의 흔적들이 층층으로 포개어져 있다. 투명 원형 필름들이 서로 단단히 엮일 수 있는 것은 층마다 관여된 실리콘 때문이며 하나의 덩어리를 만들어내고 있다. 그리고 물론 층층이 고착되고 안착하도록 필요한 시간들이 결로 함께 켜켜이 쌓여있다. 하나인 듯 보이나 여러 개이고 여러 개인 듯 보이나 결국 하나로 인지되는 이유이기도 하다.

필름과 실리콘이 시간을 포함한 채 층층이 번갈아 쌓인 상면上面이 작품의 결론이긴 하지만 기저까지 투시되어 은근하게 전 과정이 모두 비친다. 중심이 희석되고 번져나가는 시각적 효과는 이처럼 작가의 독특한 작업기술 때문이다. 완전하게 압축되고 밀착된 말끔한 작품의 인상은 소란스럽거나 화려하지 않아 차분하고도 차가운 기품 있는 추상화로도 보이고, 작가의 개인적이고 주관적인 감정을 최대한 제거하고 단순한 도형만을 사용하는 행위 자체에서는 미니멀아트로도 접근이 가능하며, 생성과 소멸이라는 자연의 소중한 이치를 담고자 하는 작가의 작업 의지에서는 동양적 철학까지 읽혀 다각적 매력이 충분히 느껴진다. 실리콘과 필름에 대한 오랜 연구와 실험에 작가의 감각이 보태져 더욱 작품을 신비롭고 반짝이게 하나 작가는 오히려 이러한 물성에 경도되는 것에 대한 우려를 분명하게 또한 언급한다. 작가가 몰두하여 자신의 감각으로 발굴한 매체의 특유함이 작품으로 충분히 발현되고 있지만 정작 작가가 향하는 시선과 지점은 어느새 또 다른 곳으로 이동하고 있다. 우리는 또다시 부지런히 작가가 추상한 물리적 해석과정을 쫓아 창작과정을 밟아야 할-감상자로서의-몫이 생긴다.

거리두기1. 내면을 향한 적정한 거리

무념무상의 수행과 명상적 작업으로도 해석 가능한 이유는 도려내고 칠하고 붙이고 기다리는 일련의 과정을 일정한 시간 안에서 반복하는 작가의 행위 때문일 것인데, 그토록 성실히 지속하는 작가의 심리를 좀 더 세밀하게 들여다볼 필요는 있다. 대학 졸업 후 진행했던 작업들은 사회·국가적으로 거대한 담론이거나 강한 이슈들이었고 도리어 지금 작업의 근간도 그 시점에서 찾을 수 있다. 예술의 사명이 묵직한 보편적 주제를 시각예술 창작자의 특유한 감각으로 버무려내는 것이 당연하다고 생각했지만, 유학 생활 중 계속 앞장서지 못하고 뒤쫓는 아류만 생산해내고 있다는 자각이 자신을 압박했다고 작가는 고백한다. 외부에 거대한 담론을 담아 본인의 관점으로 푸는 것이 아닌 가장 내밀한 진짜 본인 작업이 무엇인가에 대한 발단이 지금 작업이 있게 한 중요한 토대로 보인다. 현재 작업에서 반복되는 노고의 행위는 자신을 찾기 위한 수행이라기보다 가장 기초적인 행위의 반복(도려내고 붙이고 칠하고 기다리고)을 통해 객관적으로 수치화된 노동과 인위적인 성실함의 과정을 담으려고 한 것이다. 자신의 내면으로 시선을 옮긴 것도 성찰의 과정이긴 하나, 작업에 완전히 품어진 혹은 작업하는 행위만이 남겨지는 지점으로서의 수행이 아닌 오히려 자신을 보다 냉철하게 바라보기 위한 고의적 거리를 두려 한 것으로 보인다. 오차 없이 오려진 필름과 가장 적절하게 계측된 두께로 발리는 실리콘과 이들에게 필요한 물리적-재료로서의-시간 등은 오히려 작가의 초이성적인 감각과 철저히 계산되고 구성된 결실일 것이다.

거리두기2. 점과 원으로 점철된 거리

이번 전시에서의 원형 필름들로 구성된 최근의 작품들은 2018년도까지 진행해왔던 작품들과는 방향을 달리하고 있다. 2018년까지는 층층이 발리는 실리콘 사이에 찍혀진 작은 무수한 점들이 만들어낸 광활한 결들로 인해 시간의 흐름이 한 폭 프레임 안에 압축된 작품들이었다면, 그 이후의 작품들은 매체와 형태의 변화가 가장 먼저 목도되는 부분이다. 작가는 작업에 변화가 있다고 언급했지만 사실 상상할 수 없을 정도의 에너지들이 티끌로 보여 우주를 연상시키는 거대한-심리적-규모의 작품이나 실상의 차원이 아닌 미시세계의 움직임을 형상화하려 한 근래의 작품들은 작가가 작업에 타진해 왔던 의도가 상통하고 있는 것으로 보인다. 면밀히 보자면 물리적 시간의 진폭과 흐름을 성실히 담았던 예전의 작품들에서 이질적 매체가 갖는-적당하게 빛이 투과되거나 빛을 발하는-물성은 시간의 중첩마저 담으려 한 작가의 욕망에 따라 그 맥이 이어지고 있다.

자연의 이치 즉 생성과 소멸이라는 개념 그리고 보이지 않는 사소한 작은 것들에 대한 관심에서 비롯한 것이라고 작가는 작업에 대해 소박하게 이야기하고 있으나 기저에 깔린 철저히 계측하고 주관적 감정을 최대한 배제하려 한 객관화하기 위한 노고가 그의 작업에 한층 더 강하고 분명하게 비추어 나오고 있다. 보는 관점에 따라 달라지는 형상과 하나인 듯 하나이지 않은 시간의 중첩을 담아 불확실함이 부유하는 작업은, 관찰자의 시점과 시선에 의해 상태가 결정된다는-수십 년을 논쟁하고 합의하고 분열되고 통합된-(양자역학)물리학에서의 모호한 모순과도 흥미롭게 닿아있다. 가늠하기 힘든 미시세계를 예측하고자 가시화할 때 소환되는 원형은 작가 임도훈의 작업에서 역시 지속해서 사용되는 도형이다. 작가는 최소한의 동세와 에너지를 크게 확장해 양감으로 보이기 위한 도구로 사용해 왔으며 특히 근래 작품들에 사용된 원형의 필름과 실리콘과의 조합은 그러기에 시간의 중첩이라는 모호함을 선명하게 상징해 주며 역할을 충분히 소화해 내고 있다.

거리두기3. 작가의 원근법

평면회화의 역사는 (2차)평면에 3차원을 담기 위한 노력으로 대부분 이어져 왔고, 그것이 만들어내는 놀라운 매력에 우리는 빠져있다. 그것이 철저히 계산된 과학적 치수였을 때도 있었고 매체가 가진 물성과 창작자의 놀라운 감각과 인지로 구현된 마술과 같은 트릭에도 우리는 한결같은 찬사를 보냈다. 빛의 산란을 담은 인상주의 이후 피카소와 뒤샹에 이르기까지 평면회화가 부린 시각적 마술에서 우리는 경이로움의 정점을 이미 맛보았고 그 이후 오히려 평면에 대한 부정을 넘어 쿨한 인정과 화해로 또 다른 평면회화의 살길을 마련해가며 환상적 일루전을 지속해 보여주며 감동을 줘왔다.

작가 임동훈의 작업에서의 특유한 일루전의 마법, 그만의 원근법이라 함은 캔버스에 포개어진 시간의 중첩과 마치 다중성多重星을 보는 듯 압착된 화폭에서 시공간이 느껴지는데, 즉 작품에 자신의 시공간을 마련해 움직이는 에너지의 과정을 담고 싶어 한 그의 욕망이 평면에 착실히 실현되고 있다는 점이다. 우리의 상식으로는 여전히 이해하기 힘든 차원의 시간이 작가의 절제와 욕망 사이 묘한 밸런스를 잡으며 구성되는 자취인 셈이다.

작가가 자연 세계에 특히 보이지 않을 정도의 사소한 것에 관심을 두고 최대한 감성의 체취를 모두 제거하려고 노력하며 만드는-인공적 매체를 통한-동세는 작가의 계산된 프레임 안에 완벽한 조화를 이루며 결박되어 있다. 이것이 묵묵히 고행하거나 수행하는 동양적 행위의 결과물과는 또한 구분 짓게 하는, 식별 불가할 정도의 아주 작은 움직임의 흔적을 드라마틱하게 확장시키고 재단한 인공적 절제의 에너지와 노고가 투명하게 드러나는 지점이다. 이것이 작가 임동훈의 작품이 가진 반전이자 그의 작업을 더욱 모호한 매력으로 이끄는 원근법 장치이지 않을까.

선명해지는 모호함

작업을 왜 하는지, 선뜻 대답하는 것이 오히려 의심스러운 도발적인 질문을 그것도 인터뷰를 끝낸 며칠 후에 번외로 작가에게 느닷없이 물었다. 한참을 머뭇거리며 고민하는 작가의 시간을 가식적인 추임새로 채우고 싶지는 않았던 이유, 작업에 대한 의지와 에너지의 원천과 궁극적으로 다다르려는 그곳에 대한 작가의 진심을 알고 싶었고 그가 작업을 통해 이루고 싶은 이상에 대해 힘들게 내뱉는 첫 마디의 첫 단어가 무척 궁금했다. 예상대로, 기대했던 것 이상 작가는 끝내 명쾌한 답을 주지 못했다. 작품 속 형상들이 중심이 희석되어 번져나가며 시간의 처음과 끝이 단절된 단면으로 맑게 비치는 그의 작품처럼. 켜켜이 쌓인 시간을 품고 생성과 소멸이 반복되는 자연의 이치를 인지 가능한 구체적인 형상들의 조건들을 모두 제거한 채 알 수 없는 곳에서 끊임없이 움직이며 살아있는 동세를 구현한 작품이 명쾌할 순 없으나 작가는 그 모호함을 분명하고 아주 성실하게 설명했다. 작품과 작가가 똑같은 지점인, 선명한 모호함으로.

최소한 (예술)창작의 극심한 고통에 처절했거나 아득히 끝이 안 보이는 기약 없는 고독한 자신과의 싸움에 제대로 데어본 작가라면, 정답과 목적을 향해 달려가는 것이 아닌 성실하고 묵묵히 창작의 무게를 견디는 것 자체가 예술이며 작가의 본심과 진심이 그런 작가 자신에게 있어야 함을 안다. 그래서 작업을 왜 하는지의 거칠고 모호한 우문에 작업할 수밖에 없는, 지속할 수 있는 중심과 저력에 대해 그저 아주 본능에 가까운 순수한 창작자의 언어로 작가는 현답했다. 정답이 아득한 어느 곳에 있어 도달해야 하는 것이 아닌 지금 당장 여기 작가의 진심이 묻어 형상화되는 창작자들의 애쓴 해답들이 곧 예술의 과정이자 길이며 예술 그 자체인 것을. 무조건 빼고 덜고 과하지 않고 싶어 끊임없이 내면에서 투쟁 중인 과정에서 어느 순간 이마저도 과하게 느껴지는 그 지점, 작업에 대한 열정과 과욕 사이에서 절제의 경계를 분간하기 위해 날 선 예민함으로 스스로 씨름하는 동안 어디까지가 자신의 본심과 진심일까 혼돈되는 그 지점에 치달았을 때, 작업에 매진할수록 맞닥뜨리는 가장 두려운 그 지점이 역설적이게도 작업에 중독될 수 있는 부분이라고, 작가는 고백했다. 정체를 알 수 없는 뿌연 모호함이 아닌 작가와 그의 작업이 초밀착된 하나의 덩어리로 해석되어 ‘선명한 모호함’의 진심이 맑고 또렷하게 비추어 나오는 듯한데, 우리 역시 작가에게 중독되고 있는 건 아닐까.

학력

2004 New York Pratt Institute Fine Art 졸업

1998 영남 대학교 조형 대학원 서양화과 졸업

1996 대구 대학교 미술대학 회화과 졸업

개인전

2025 Asan gallery (아산)

2025 Giagaga 갤러리 (서울)

2025 메종 몽그랑 (마르세유, 프랑스)

2024 omoke 갤러리 (대구)

2023 아트린 미술관 (파주)

2023 써머셋 팰리스 (서울)

2023 아산 갤러리 (아산)

2021 블룸 비스타 (양평)

2021 본 갤러리 (서울)

2020 도로교통공단 갤러리 (원주)

2020 세컨드 에비뉴 갤러리 (서울)

2018 금보성 아트센터 (서울)

2016 청학대 미술관 (안성)

2015 Godo Gallery (서울)

2014 봉산 cultural center (대구)

2014 The K Gallery 초대전(서울)

2013 AA Gallery 초대전 (대구)

2011 AA Gallery 초대전 (대구)

2010 봉산 cultural center (대구)

2004 Steuben Gallery( New York)

1999 Space129(대구)

단체전

2023 선문 아산 갤러리 개관전 (아산)

2023 VARIATION AND EXPANTION (후쿠오카 미술관)

2023 DIAF (엑스코 대구)

2022 아트스탁 상장작가 초대전 (라우 갤러리, 경주)

2021 얼반 브레이크 (코엑스 서울)

2020 화랑 미술제 (코엑스, 서울)

2020 KIAF (코엑스 서울)

2019 freedom 2019 어제와 다른 내일 (양평 군립 미술관, 후쿠오카)

2019 KIAF(코엑스 서울)

2019 DAF(엑스코 대구)

2019 화랑미술제(코엑스 서울)

2017 수창 프로젝트 (대구)

2013 Love & Romantic art project (서울)

2013 모락모락 전 (서울 일호갤러리)

2013 Art, fashion collaboration (한국 패션 산업 연구원)

2013 Between of life (사이사이 예술) (대구)

2012 초대작가 4인전 (AA Gallery)

2011 초대작가 8인전 (AA Gallery)

2011 “I love Deagu" 영상전(대구 문화 예술회관)

2004 Intimidated things (New York)

2004 Asian artist group (New York)

2004 Manhattan center art fair (New York)

2004 Visual sound (New York)

2003 Asian artist group (New York)

2002 Diaspora, Difference, Division: New York (New York)

2002 International view (New York)

1999 대구 현대 미술가 협회전 (대구 문화 예술회관)

1999 인천 포스트 (인천 종합문화 예술회관)

1999 10인의 방법전 (대구 문화 예술회관)

1998 T.A.C 젊은 세대전 (에스갤러리 대구)

1998 로케트 따라잡기전(대구 문화 예술회관)

1998 ART Synthe전(대구 문화 예술회관)

1998 대구 현대 미술가 협회전 (대구 문화 예술회관)

1998 Size A4전 (Space129)

1998 대한민국 미술대전 (과천 현대 미술관)

1998 Millennium 쟁이쑈 (대구 문화 예술회관)

1997 B.I.G전 (벽아 미술관)

1997 ART Synthe전(대구 (대구 문화 예술회관)

1997 Boom전 (대구 시민회관)

1997 중앙 비엔날레 (서울 시립 미술관)

1996 오늘의 시각전 (송연 갤러리,대구)

1995~96 Under Line전 (우석갤러리, 동성동 하티스트 이벤트홀)

수상

1998 대구 미술 대전 우수상 (대구 문화 예술화관)

1998 대한민국 미술대전 (과천 현대 미술관)

1997 매일 미술대전 (대구 문화 예술회관)

1997 대구 미술대전 (대구 문화 예술회관)

1997 부일 미술대전 (부산 문화 예술회관)

1996 중앙 비엔날레 (서울 시립 미술관)

1996매일 미술대전 (대구 문화 예술회관)

 < Ambiguity that Becomes Vivid in Overlapped Time >

Critic: Ko Yeon-su

The Movement that Flashes as if it Permeates

Unidentifiable shapes are vaguely placed inside a rectangular canvas with an organized achromatic color as its background. The unclear boundaries of circular shapes in the work of art make our visions wander around. Whether we try to find a focal point and fix our eyes onto it to obtain stability, or the visual perception that did not get to settle down wanders around in the work and creates another image, neither of them make our sights feel comfortable. That is the reaction and thought we get when we see a work of art by Lim Dong-hun the artist for the first time. As I stare at it quietly, it even causes an optical illusion that seems to wriggle and move, like the burn-in that sometimes occurs in digital media. It might be the moment when Gestalt laws are at work, trying to organize and recompose the image reflected on retina by using all experiences, both congenital and acquired—which means to create an image of the abundant outer world through information exchange between eyes and brain. According to the study by Eric Kandel, an actual neuroscientist, we human beings make connections between the physical world and the lifelong experiences by instinct, especially when we see abstract paintings, and he defines that the process of creation can be the process of interpretation for artists, and the process of interpretation can be the process of creation for viewers.

This is what I see in the works of Lim Dong-hun the artist in this exhibition. The shapes in the canvas, coated smoothly and neatly and sparkling brightly, seem like one mass when you see them from the distance, but once you look at them closely, they are crumpled in small divided circles, and the traces of time are overlapped in layers. The transparent circular films can be bound together tightly thanks to the silicone applied to all layers, and thus, they are creating one big mass. And of course, time required for these layers to be fixed and settled down is piled with them in a certain texture. That’s the reason why they seem like one, but there are several of them, and they seem like there are several of them, but they are recognized as one.

The surface created by the repeated layers of films and silicone containing time is the conclusion of his works of art, but you can see everything through to the base, and the entire process is shown. The visual effect of the center becoming thinner and spreading is created thanks to the artist’s unique method and technique. His works give off an impression on being completely compressed, adhering, and neat. Therefore, they are neither hectic nor extravagant. That is why they sometimes look like calm, cold, and graceful abstract paintings. They can also be seen as minimal art from the act of removing the artist’s personal and subjective emotions as much as possible and using simple shapes only. And the artist’s will to portray creation and extinction, the precious order of nature, also expresses Asian philosophy, showing off more than enough multilateral charms. The long-term studies and experiments on silicone and film, with the artist’s sensation added to them, make the works of art more mystic and shinier, but the artist clearly mentioned his concerns on the viewers paying too much attention on this property. The media’s uniqueness the artist excavated by immersing himself in it is being expressed through the works of art, but the artist’s gaze and viewpoint is already heading toward somewhere else. We soon have our role—as viewers—to follow the physical interpretation process the artist abstracted and embark on the process of creation.

Keeping the Distance 1. Appropriate Distance Toward One’s Internal World

His works can also be interpreted as the religious practice and meditation in the state of no thoughts and worries due to the artist’s repetitive action of cutting, painting, attaching, and waiting in a regular interval of time. It is necessary to take a closer look into his psychology of repeating that process so diligently. The works of art he created after his graduation from college tackled on big discussions or powerful issues socially and nationally, and even the basis of his current works could be found from that point of view. The artist confessed that he thought the art’s mission was to portray a serious yet universal topic with the unique sensation of a creator of visual art, but his awareness on being unable to move forward and simply creating imitations that follow others put pressure on him. The root of questioning what truly defines his work created from the deepest internal mind of his, rather than portraying the big discussions of the outer world in his own perspective, must have become the important basis of his current set of works. The repetitive hard work found in his current set of works is the portrayal of objectively digitized labor and artificial diligence through the repetition of the most basic action (cutting, attaching, painting, and waiting), rather than a religious practice to seek his own self. Turning his eye toward his internal world is a part of the process of introspection, but it seems like he tried to keep the distance on purpose in order to watch himself more closely, rather than to conduct a religious practice as the point where only the act completely contained in his works, or the actions of creating his work, remains at the end. The films cut without any errors, the silicone applied in the most appropriate measured thickness, and physical time—as medium—all these things need must be the fruit of the artist’s hyper-rational senses and thorough calculation and composition.

Keeping the Distance 2. The Distance Filled With Dots and Circles

His most recent works composed of circular films, presented in this exhibition, are taking a different direction from his previous works until 2018. His works until 2018 were the flow of time compressed into one frame through wide textures created by numerous small dots in between the layers of silicone, but his works after that express changes in the media and the forms, and that’s the first set of things the viewers can notice. The artist mentioned that there was a change in his work, but his most recent works, which are either in enormous—psychological—scale that resembles the universe by making the unimaginable amount of energy look like tiny spots, or trying to concretize the movements of the microscopic world rather than the real dimension, are connected to the intentions he’s been putting into his works so far. When you take a close look at them, the properties of heterogenous media—in which the light goes through them or it shines—from his previous works, which contained the amplitude and flow of time, are still being continued by the artist’s desire to even portray the overlaps of time.

The artist spoke simply about his work, saying that it all started from his interest in the order of nature, in other words, the concept of creation and extinction, and small things that are not visible, but his hard effort of calculating everything thoroughly and trying to remove his subjective emotions is more clearly visible from his works. His works that contains shapes that change depending on the points of view and the overlaps of time, which seem like one but also aren’t one at the same time, thus uncertainty floats on them. These works also have an interesting connection with the ambiguous contradiction of (quantum mechanics) physics—which has been under debate, agreed upon, divided, and integrated for decades—in which the condition is determined by the viewpoint and sight of the observer. The circles are the shapes Lim Dong-hun the artist keeps using in his works, and they are summoned to visualize the microscopic world, which is hard to figure out, and make predictions on it. The artist has been using them as tools to expand the minimum amount of movements and energy to make them look like a mass. And thus, especially the combination of circular films and silicone he has used in his most recent works vividly symbolize the ambiguity of the overlaps of time, playing its role more than enough.

Keeping the Distance 3. The Artist’s Perspective

The history of two-dimensional paintings has been continuing mostly with the effort to portray the three-dimensional world on the (two-dimensional) flat plane, and we are enchanted by the amazing charms they create. Sometimes they were thoroughly calculated scientific measurements, and sometimes they were magical tricks embodied through the creators’ incredible senses and cognitions, but we praised all of them all the time. After impressionism, which portrays the scattering of light, we tasted the highlight of astonishment made by two-dimensional paintings until the era of Picasso and Duchamp. After that, they found a new way to thrive for two-dimensional paintings by going beyond the denial on two-dimensional flat planes and coming to a laid-back admission and reconciliation, and they continued to touch our hearts by presenting fantastic illusions consistently.

The unique magic of illusions found in the works by Lim Dong-hun the artist, in other words, the perspective of his own, makes the viewers feel the overlaps of time layered on canvas, as well as time and space from the compressed image in the frame that resembles multiplicity. In other words, his desire to portray the process of energy moving in time and space he prepared in his work is being carried out sincerely on a flat plane. It’s a trace of time in a dimension that is still hard to understand by common sense being composed under a subtle balance between the artist’s self-control and desire.

The movements the artist creates—through artificial media—by being interested in the world of nature, especially the small things that are hard to see, and trying his best to remove the trace of sentiment as much as possible, are bound inside the frame calculated by the artist, creating a perfect harmony. This is the point clearly shows his energy of artificial self-control hard effort on dramatically expanding very small traces of movement, which are almost impossible to identify, and cutting them out, and this point differentiates them from the completed production of the Asian action, in which he quietly carries out asceticism or religious practice. Perhaps this is the twist in Lim Dong-hun’s works of art and the device of perspective that adds more ambiguous charms to his works.

The Ambiguity Becomes Vivid

I suddenly asked the artist a question on why he creates his works. It was a provocative question, which was even more suspicious to get an answer immediately, and I even asked it a few days after I interviewed him. I wanted to know the reasons why he did not want to fill his long time of hesitation and dilemma with pretentious exclamations, his will toward his works, the source of his energy, and the ultimate destination he’s trying to reach. And I was very curious about what the first word of his first answer about the ideal he wishes to achieve through his works, which he would struggle to say. As I expected, the artist could not give me a clear answer beyond my expectations. It was just like his works of art, in which the shapes in them spread with their center becoming thinner, and the beginning and the end of time are shown in clear reflections in severed sections. The works of art that concretized the living movements that move endlessly in unknown places with all the conditions of recognizable concrete shapes are eliminated while containing layers of time cannot be lucid, but the artist explained that ambiguity clearly and sincerely. It was the vivid ambiguity, the same point for both the works of art and the artist.

Any artist who went through an extreme pain of (art) creation or suffered a serious damage from a fight against himself or herself understands that art isn’t about running toward the correct answer or the goal, but it’s about the whole act of bearing the weight of creation diligently and quietly, and he or she knows that he or she must have the true intentions and sincere heart as the artist. The artist gave a wise answer in the pure language of a creator, which is just so close to an instinct, about the center and power to continue his work process, to a rough, ambiguous, and foolish question on why he creates his works of art. His answer indicated that the solutions the creators came up with through a lot of effort, which are concretized right at this moment with the true feelings of the artists are the processes and lengths of art, and even the art itself, rather than reaching the correct answer that lies somewhere far away. The artist confessed that when he reaches the point in which even the process of subtracting and removing everything and having an endless internal battle to prevent it from being too much actually seems too much on its own, the point when he gets confused about how much of it is his true intentions and feelings in the battle against himself with extreme sensitivity to distinguish the boundary of self-control between passion and greed, the most fearful point he keeps encountering during his process of work, is paradoxically when he gets addicted to his process of work. This seems like a clear and sure sight of his true feelings on “vivid ambiguity,” not an unidentifiable, blurry type of ambiguity, as the artist and his works are interpreted as one big mass closely attached to each other. Perhaps we are being addicted to the artist as well.

Education

2004 M.A Pratt Institute, Fine Art Major, Brooklyn, New York

1998 M.F.A Young Nam University, Painting Major, Korea

1996 B.A Daegu University, Painting Major, Korea

Solo Exhibition

2025 Asan Gallery (Asan)

2025 Giagaga Gallery (Seoul)

2025 Maison Montgrand (Marseille, France)

2024 Omoke Gallery (Daegu, Korea)

2023 Artrin Museum (Paju, Korea)

2023 Somerset Palace (Seoul,Korea)

2023 Asan Gallery (Asan, Korea)

2021 Bloomviste 2021 Bon Gallery (Seoul,Korea)

2021 Bon Gallery (Seoul,Korea)

2020 Road Traffic Authority Gallery (Wonju, Korea)

2020 Second Avenue Gallery (Seoul, Korea)

2018 Kim Bo Seong Art Center(Seoul, Korea)

2016 Chung Hak Dae Museum. (An sung, Korea)

2015 Go Do Gallery. (Seoul, Korea)

2014 Bong San Cultural Center. (Daegu, Korea)

2014 The K Gallery .(Seoul, Korea)

2013 AA Gallery. (Daegu, Korea)

2011 AA Gallery. (Daegu, Korea)

2010 Bong San Cultural Center. (Daegu, Korea)

2004 Steuben Gallery.( Brooklyn, New York)

1999 Space129. (Daegu, Korea)

Group Exhibition

2023 Sunmoon Asan Gallery opening Exhibition (Asan, Korea)

2023 Variation and expasion (Fukuoka, Japen)

2023 Daegu Art Fair (Coex, Daegu, Korea)

2022 Artstoct Invitation exhibit (Gyeongju, Korea)

2021 Urban Break (Coex, Seoul, Korea)

2020 Galleries Art Fair (Coex, Seoul, Korea)

2020 Korea International Art Fair (Coex, Seoul, Korea)

2019 Freedom 2019 Now & Future (Yangpyeong Art Museum)

2019 Freedom 2019 Now & Future(Fukuoka Museum, Japan)

2019 Korea International Art Fair (Coex, Seoul, Korea)

2019 Daegu Art Fair (Coex, Daegu, Korea)

2017 Su Chang Project. (Daegu, Korea)

2013 Love & Romantic art project. (Seoul, Korea)

2013 The Exhibition” Mo Rak Mo Rak”. Il Ho Gallery. (Seoul, Korea)

2013 Art, fashion collaboration. Korea Research Institute for Industry.(Daegu, Korea)

2013 "Between of life” Buem A Art Street, (Daegu, Korea)

2012 Invitational Show for 4 Artists. AA Gallery. (Daegu, Korea)

2011 Invitational Show for 8 Artists. AA Gallery. (Daegu, Korea)

2011 “I love Daegu" Media Art Show. Daegu Art & Culture Center. (Daegu, Korea)

2004 Intimidated things (New York)

2004 Asian artist group (New York)

2004 Manhattan center art fair (New York)

2004 Visual sound (New York)

2003 Asian artist group (New York)

2002 Diaspora, Difference, Division: New York (New York)

2002 International view (New York)

1999 Daegu Contemporary Artist Association Exhibition. Deagu Art & Culture Center. (Daegu, Korea)

1999 “In chun Post” . In Chun Total Art & Culture Center. (In Chun, Korea)

1999 The Show “ways of Ten People” Daegu Art & Culture Center. (Deagu, Korea)

1998 Group T.A.C Show “Young Generation”. S Gallery. (Daegu, Korea)

1998 “Catching up Rocket”. . Daegu Art & Culture Center. (Daegu, Korea)

1998 ART Synthe Exhibition. . Daegu Art & Culture Center. (Daegu, Korea)

1998 Daegu Contemporary Artist Association Exhibition. Daegu Art & Culture Center. (Daegu, Korea)

1998 “Size A4” Exhibition. Space129 Gallery. (Daegu, Korea)

1998 Korea Art Award. Gua chun contemporary museum.(Gua Chun, Korea)

1998 The Show ”Millennium Persona. . Daegu Art & Culture Center (Daegu, Korea)

1997 Group B.I.G Show. Byeoga Museum. (Daegu, Korea)

1997 Group “ART Synthe” Exhibition. . Daegu Art & Culture Center. (Daegu, Korea)

1997 Group “Boom” Show. Daegu Art & Culture Center. (Daegu, Korea)

1997Joong Ang Biennale. Seoul Municipal Museum (Seoul, Korea)

1996 “Viewpoint of Today. Song Yean Gallery (Daegu, Korea)

1995~96 The Show “Under Line” Woo Suck Gallery. (Daegu, Korea)

Awards

1998 Daegu art Award (Daegu Art & Culture Center, Daegu, Korea)

1998 Korea art Award (Gua chun contemporary museum, Gua Chun, Korea)

1997 Mail Daily Times Art Award (Daegu Art & Culture Center, Daegu, Korea)

1997 Daegu art Award (Daegu Art & Culture Center, Daegu, Korea

1997 Busan Daily Times Art Award (Busan Art & Culture Center, Busan, Korea)

1997 Joong Ang Biennale. Seoul Municipal Museum (Seoul, Korea)

1996 Mail Daily Times Art Award (Daegu Art & Culture Center, Daegu, Korea)